par pascale girardin
photo par stephany hildebrand

Idées et inspirations à partir du studio de Pascale Girardin

Ce numéro a pour thème le renouveau : le geste de transformer quelque chose, de lui donner un air neuf. Le changement peut être de nature physique, comme le fait mon ami et mentor Kinya Ishikawa en récupérant les pots brisés de centaines de céramistes du Québec et d’ailleurs dans un jardin monumental. Il peut aussi être impalpable, comme une œuvre qui aboutit de façon inattendue, à laquelle je donnerai une nouvelle direction grâce à un changement de point de vue.

De plus, je vous emmène au Japon, où la réutilisation et la métamorphose d’objets du quotidien sont au cœur de la vie.

Drift est ma manière d’expliquer comment les pensées vagabondes peuvent évoluer et mener à une idée achevée. À la base de la créativité, ce mode de réflexion est aussi mon mantra personnel.

Venez flâner avec moi.

Pascale Girardin

par pascale girardin
photo par stephany hildebrand

Le sanctuaire de Kinya Ishikawa, une structure unique en son genre.

Kinya Ishikawa a construit sur sa propriété à Val-David, au Québec, ce que j’appelle le temple. Pas de briques ni de mortier pour l’ériger; ce sont plutôt des pièces de céramique cassées qui constituent les murs de ce monument faisant honneur aux œuvres humaines.

Potier autodidacte, Ishikawa est mon mentor depuis 20 ans. Ex-membre de l’équipe de bobsleigh japonaise, il est arrivé au Canada après la Coupe du monde de bobsleigh de 1969, est tombé amoureux du Québec et a décidé de s’y établir. Bien qu’il parlait à peine le français et l’anglais, il a décroché un emploi de concierge dans un studio de poterie de Montréal en échange d’une pension. Intrigué par le tour de potier, il a convaincu le propriétaire de lui permettre de l’essayer la nuit. Issu d’un milieu modeste, il est devenu l’un des potiers les plus inspirants de la province.

Toujours prolifique, l’artiste septuagénaire offre sa maison dans les Laurentides comme lieu de rassemblement pour les céramistes. Depuis 1989, il y organise l’événement 1001 Pots (du 7 juillet au 13 août 2017) qui présente pendant un mois les céramiques de plus d’une centaine de studios. L’aménagement avec tables à ciel ouvert et caisse centrale permet aux visiteurs de découvrir de première main les œuvres. Ils peuvent aussi échanger avec les exposants, qui passent chacun quatre jours sur place comme guide bénévole pendant l’exposition.

Ce temple, qu’Ishikawa a nommée Jardin de silice, est en fait une structure de plusieurs chambres construite avec des murs à double paroi en treillis de fer, à l’intérieur desquels s’empilent des milliers de pots cassés (les siens et ceux d’artistes en visite). Au fil du temps, branches d’arbres et vignes ont entrelacé les cloisons, donnant au lieu un caractère enchanteur. Le jardin reflète à merveille la passion de Ishikawa pour le travail d’une vie.

J’accumule toute l’année des tessons pour sa collection. En plus de réduire les déchets, elle m’aide à faire le deuil d’une sculpture trop cuite ou d’un vase échappé, car je sais qu’ils auront une deuxième vie dans un endroit splendide.

par pascale girardin
photo par pascale girardin

Une visite au Japon révèle la beauté saisissante de l’évanescence.

Entre Noël et le jour de l’An, les Japonais ont l’habitude de faire le ménage de leur foyer pour démarrer l’année sur de nouvelles bases. J’ai déjà séjourné à Kyoto pendant cette période. Comme les magasins étaient fermés et que bon nombre de citoyens avaient quitté la ville pour les fêtes, j’ai visité les seuls lieux ouverts : les temples.

Au célèbre jardin zen du monastère Ryōan-ji, des jardiniers se succèdent depuis cinq siècles pour ratisser le fin gravier, y renouvelant les empreintes tout en préservant la patine naturelle du temps. Dans la tradition bouddhiste zen, de telles transformations au fil des années confèrent aux objets leur beauté. Les Japonais aiment les choses anciennes et l’acte de leur donner une seconde vie est considéré comme une forme d’art. Le boro, cet art textile qui transforme de vieilles étoffes en une mosaïque vivante, et le kintsugi, une technique de réparation de porcelaines brisées au moyen de coutures d’or et d’argent, en témoignent.

En tant qu’artiste, j’avais étudié et cru comprendre le concept japonais mono no aware, que l’on pourrait traduire par « l’empathie envers les choses ». J’ai toutefois été surprise de reconnaître cette philosophie à l’œuvre jusque dans les plus petites choses. J’ai croisé dans un temple une rangée d’arbres centenaires dont les branches noueuses défiaient les lois de la gravité. Mais plutôt que de couper les parties fragiles ou de les laisser casser d’elles-mêmes, les paysagistes du temple ont lié les branches avec de la corde et les ont appuyées sur des béquilles de bois. C’était touchant d’admirer ces arbres soignés comme s’ils étaient des vieillards. Un peu d’amour suffisait pour leur permettre de s’épanouir encore.

par pascale girardin
photos par stephany hildebrand

Les installations du nouveau Nobu Downtown s’inspirent d’un art japonais ancien.

En mai, j’ai eu l’immense plaisir de prendre place dans l’intime salle Sake du restaurant Nobu Downtown à New York, pour y déguster l’exquise cuisine fusion japonaise du chef Nobu Matsuhisa (incluant le sashimi de sériole, les gyoza au bœuf wagyu et la barre au caramel et sobacha). J’ai profité de cette mémorable soirée entourée de membres de la talentueuse équipe de mon studio à Montréal, mais aussi de plus de 70 bouteilles de sake uniques, créées spécialement pour cet espace privé.

L’ouverture récente de Nobu Downtown symbolise le renouveau dans tous les sens du terme. Elle est d’abord le fruit d’un partenariat de plus de vingt ans entre Robert De Niro et Matsuhisa – l’acteur avait rencontré puis convaincu le chef installé à Los Angeles d’ouvrir dans le quartier Tribeca en 1993 le premier Nobu. Et comme Downtown succède au restaurant de Tribeca à titre d’adresse phare de la marque à New York, son arrivée marque aussi le point culminant de la collaboration entre Matsuhisa et David Rockwell; on doit au célèbre designer la conception du premier Nobu et de plus de 30 restaurants du chef étoilé dans le monde.

C’est le groupe Rockwell qui m’a invitée à participer au design de la salle Sake, pour laquelle j’ai conçu une série de bouteilles en grès tournées à la main et décorées d’un coup de pinceau, posées sur deux étagères allant du plancher au plafond – ainsi qu’à créer deux autres installations dans l’établissement. L’une est une murale de carreaux et de blocs de céramique émaillés dans un camaïeu de bleus qui orne les murs d’une salle privée. L’autre s’étend sur deux murs de plâtre vénitien et compte plus de 3 500 pièces de céramique façonnées individuellement. Vues de près, elles ressemblent à des briquettes de charbon de bois. Vues de loin, elles font penser à deux majestueux coups de pinceau.

Les trois œuvres s’inspirent du sumi-e, l’art japonais de la peinture à l’encre. Au centre du design de Rockwell, cette méthode ancienne est omniprésente dans le décor du restaurant de plus de 1 000 mètres carrés : on y fait allusion dans les accents noirs des lampes votives comme dans l’œuvre suspendue de l’artiste new-yorkais John Houshmand qui évoque des traits de pinceau. Être assise dans cet espace où cohabitent des formes d’art intemporel et un design résolument moderne est une expérience aussi sublime que goûter à la morue charbonnière au miso de Nobu.

par pascale girardin
photos par stephany hildebrand

Coup d’œil sur l’art boro.

C’est en cherchant dans Google les mots « mosaïque de tissus indigo japonais » que j’ai appris le nom des textiles dont je me suis éprise dans mes voyages à Tokyo et à Kyoto : le boro, un art populaire né du désir de recycler des tissus usés mais encore récupérables.

Contrairement à la courtepointe occidentale confectionnée à partir de carrés et de motifs symétriques, le boro utilise des morceaux de taille et de forme aléatoires qui lui confèrent un style vivant particulièrement frappant. Leur couleur indigo est essentiellement la seule chose qu’ont en commun les étoffes lignées, à carreaux ou aux jolis motifs végétaux.

J’ai aussitôt aimé ces textiles qui me rappellent le cobalt que j’affectionne particulièrement, ainsi que tous les efforts investis dans la création de mes propres formules de glaçures bleues. Alors lorsqu’on m’a confié le design d’un mur central au Nobu Downtown à New York, le boro m’a servi d’inspiration. L’œuvre est une mosaïque en deux et en trois dimensions, composée de tuiles et de blocs de céramique dans une dizaine de déclinaisons de bleu obtenues en variant leur emplacement dans le four, et éclairée par des lampes votives DEL intégrées à même l’installation. C’est merveilleux de penser que les murs de l’un des restaurants les plus réputés de Manhattan rendent hommage à un art populaire peu connu de l’autre bout du monde.

par pascale girardin
photos par ginga takeshima et stephany hildebrand

Un changement de perspective fait naître des sculptures totem.

Depuis quelques années, mes sculptures totem font partie intégrante de mon travail. Je crée ces colonnes texturales uniques en superposant plusieurs céramiques de formes et de tailles différentes. C’est un processus libérateur pour moi, car contrairement au travail très précis qu’exigent mes installations, je réalise les totems de façon intuitive.

Chaque composante des totems devait être, à l’origine, une œuvre individuelle et entière. Mais parfois, le résultat à la sortie du four n’est pas celui que j’avais prévu. Ne sachant pas quoi faire de la pièce, je la range sur une étagère, sans toutefois la faire disparaître de mon champ de vision.

Selon le bouddhisme zen, c’est lorsqu’on abandonne sa conception de ce qu’une chose est censée être qu’on l’apprécie pour ce qu’elle est. J’ai appris à mettre de côté ces céramiques et à attendre d’être prête pour elles (plutôt que d’attendre qu’elles soient prêtes pour moi). Puis, après des jours, des semaines et même des mois de gestation, je fais des liens nouveaux et l’une d’elles se dévoile enfin. Un totem voit le jour.

Les étagères de mon studio sont devenues pour moi une source infinie de créativité. Il faut faire confiance à sa curiosité et s’ouvrir aux découvertes fortuites. Au lieu de renoncer à une idée, je m’accorde le temps de la réhabiliter.